Aujourd’hui, ce travail colossal est regroupé dans un très beau livre paru aux Editions Taschen « Art Record Covers» en collaboration avec ED. Julius Wiedemann. Un futur incontounable de votre bibliothèque ! ( photo D.R )
Pouvez-vous nous dire quelques mots sur votre toute première rencontre avec la musique?
Ma première rencontre décisive avec la musique se situe autour de 1989, j’avais alors 11 ans, quand, dans la chambre de ma tante, j’ai trouvé une cassette de contrebande par Einstürzende Neubauten, le groupe de musique industrielle allemand dont le son mécanique a influencé mes futurs goûts musicaux. A part cela, en tant que DJ techno pour une courte période au milieu des années 1990, j’ai toujours écouté des genres variés avec une préférence pour le son de et en relation avec la musique post-punk et électronique.
Pourquoi avoir décidé d’en faire votre carrière?
Je n’ai pas étudié la musique, je suis historien de l’art contemporain. Toutefois, en tant qu’auditeur et collectionneur de musique passionné, j’ai toujours été intéressé par l’art et la musique. Avec Art Record Covers, j’ai voulu reconstituer l’histoire de l’art contemporain à travers ces couvertures de disque réalisées par des artistes et des disques d’artistes, en sorte que tous les principaux mouvements et tendances de l’art du XXe et XXIe siècles soient représentés : modernisme, Pop Art, Art Conceptuel, post-modernisme et puis les pratiques variées qui ont émergé depuis les dernières trente années du Neo-expresionnisme au Post-Humain jusqu’au Post-Internet.
Francesco Spampinato, vous êtes un historien de l’Art. Comment est né ce projet « Art Records Covers»?
Je suis historien d’art et je fais actuellement mon doctorat à la Sorbonne Nouvelle, à Paris 3. Je n’enseigne aucun mouvement pour l’instant mais j’ai enseigné pendant de nombreuses années comme professeur adjoint à Rhode Island School of Design à Providence, aux Etats-Unis. En tant qu’historien d’art, je m’intéresse au concept de l’art et son rôle social. Pour ces raisons, mes recherches m’amènent souvent à étudier ces phénomènes – art et la musique mais aussi art et médias, art et design etc. – où l’art devient si inextricablement lié à la vie de tous les jours que vous n’arrivez à peine à le distinguer comme étant de l’art. Je cherche à comprendre si l’art demeure de l’art même quand il n’est pas conçu pour des musées, des galeries ou des institutions ou quand il quitte ces derniers.
Pourquoi avoir décidé de réaliser une anthologie ?
Il y a dix ans, j’ai commencé à remarquer que les couvertures de certains disques de ma collection avaient été créées par des artistes. Alors, j’ai commencé à en rechercher d’autres et à travers les années, j’ai collectionné les données de près de 3 000 disques et j’en ai acheté certains. Dès le premier instant, j’avais l’idée d’écrire une anthologie un jour mais j’ai attendu d’avoir assez de matériel et d’informations parce que je ne voulais pas simplement faire une anthologie. Je voulais que ce soit une référence, un ouvrage qui soit le plus complet et précis possible sur le sujet.
On imagine aisément qu’une anthologie de ce type a donné lieu à un travail extrêmement conséquent autant que minutieux pour la constitution d’un tel ouvrage. Comment se sont déroulés vos recherches et quels ont été vos axes de réflexion ?
Vous avez raison. Faire un livre demande un long travail articulé. En tant que bibliophile, la première chose que j’ai faite a été de chercher dans les livres, en me focalisant sur les artistes dont j’étais certain qu’ils avaient fait des couvertures de disques tels que Keith Harinf, Raymond Pettibon et Andy Warhol. Puis je suis passé à des artistes dont je pensais qu’ils avaient peut-être fait des couvertures de disques ou des disques et dans certains cas, je les ai contactés eux ou leurs studios ou leurs fondations (dans le cas d’artistes plus âgés ou historisés). Puis j’ai cherché on-line dans des forums, des posters ebay, des bases de données comme Discogs et des catalogues de labels de disques. A un moment donné, je pensais avoir collectionné assez de données et avoir vérifié la plupart des artistes que je trouvais pertinents en termes de l’histoire de l’art, à la fois des figures historiques et émergentes. Alors, j’ai écrit un livre et j’ai contacté TASCHEN qui l’a immédiatement apprécié et qui a décidé de le publier. A partir de là, la majeure partie du travail a consisté à sélectionner le matériau – des 3000 couvertures, moins de 600 sont dans le livre – faire des recherches plus précises qui sont condensées dans les textes qui accompagnent la plupart des couvertures, puis interviewer six artistes paradigmatiques et écrire mon introduction.
Qu’est ce qui a déterminé le choix de la période ainsi que le genre de musique abordé ?
Je souhaitais reconstruire l’histoire de l’art contemporain à travers des pochettes de disques, donc je n’ai pas commencé à partir de la musique mais des œuvres d’art. Jusqu’à la Seconde Guerre mondiale, les enregistrements sont sortis dans des « generic sleeves » comme des albums photo (c’est de là que le terme «album» vient). Dans les années 40, l’idée d’associer une image à un disque fut introduite comme une stratégie marketing, les illustrateurs et les graphistes commencèrent à être recrutés par des maisons de disques, et après des artistes visuels. Le premier a été Salvador Dalí qui a fait une peinture pour la couverture de Jackie Gleason’s Lonesome Echo (1955). Avec Dalí j’ai trouvé d’autres artistes qui appartenaient à la phase moderniste de l’histoire de l’art, comme Josef Albers, Joan Miró, et Pablo Picasso, avait fait des couvertures de disque. Ensuite, j’ai suivi les progrès traditionnels de l’histoire de l’art et j’ai découvert que les artistes qui sont représentatifs de chaque phase ont fait des couvertures et même des enregistrements.
Quel est le regard d’un historien de l’Art, comme vous, sur les pochettes de disque ?
Je pense que l’art se manifeste à chaque fois que le spectateur est poussé à s’arrêter et à réfléchir à ce qu’il regarde d’un façon critique. Après, si cela se produit devant une peinture, en passant par une installation, en regardant une projection immergée dans une pièce sombre ou en tenant dans ses mains la pochette d’un disque, cela ne fait aucune différence. Ce qui rend habituellement l’art «art» est le concours dans lequel elle est affichée et automatiquement cela va donner une valeur intellectuelle et économique. Ce que nous avons appris des artistes, c’est qu’ils peuvent rompre ce «sort» en transformant un objet industriel en une œuvre d’art ou, inversement, en introduisant l’art dans la vie quotidienne, ce qui est exactement le cas lorsqu’un artiste fait une couverture.
Que disent ces pochettes de l’évolution musicale et graphique du XXème siècle ?
Les couvertures de disques réalisées par des artistes occupent une place importante dans l’histoire générale des couvertures de disques, tout autant que l’histoire de l’art a influencé le design graphique et l’illustration. Les éléments du Dada, du Futurisme et du Surréalisme, par exemple, résonnent dans sur les couvertures de disques réalisées par les grands designers et illustrateurs comme Roger Dean, Hipgnosis et Peter Saville. Mais il y a aussi plusieurs artistes visuels qui ont fait des couvertures qui sont parmi les couvertures de disque les plus emblématiques jamais comme Peter Blake et couverture de Jann Haworth pour Sgt The Beatles. Pepper’s Lonely Hearts Club Band et la couverture de banane d’Andy Warhol Le Velvet Underground et les débuts éponymes de Nico, toutes les deux sorties en 1967, ou les portraits photographiques de Robert Mapplethorpe de sa muse Patti Smith. Mais le contraire est également vrai. En effet, il ya plusieurs artistes visuels dont le travail est constamment inspiré par les graphiques et les illustrations des couvertures de disque telles que Shepard Fairey et Yoshitomo Nara.
En quoi les artistes de ces pochettes d’album ont-ils soutenu la production musicale durant toutes ces années ?
En général, je dirais que les artistes visuels ont été élevé, à travers leurs oeuvres de couverture, certains disques, ainsi que la musique, à un degré «artistique». La preuve est que même les disques dont la musique n’est pas aussi remarquable pourraient devenir des articles de collection grâce à une couverture faite par un artiste et figurant dans un livre comme Art Record Covers. En outre, une couverture fait par un artiste pousse l’auditeur, au moins celui qui est familier avec l’œuvre de l’artiste, à trouver des éléments de l’art dans la musique, à interpréter la musique elle-même avec une sorte de paradigme artistique. Mais, malgré la qualité de l’art et de la musique, ce qui rend une couverture si attrayante, c’est qu’elle produit une nouvelle forme d’expérience, une expérience synestésique que ni l’art ni la musique seule pourraient fournir.
Comment s’est déroulée votre collaboration éditoriale avec Julius Wiedemann ?
J’ai eu la chance d’avoir Julius Wiedemann comme rédacteur pour ce livre. Il a travaillé pour TASCHEN pendant plus de quinze ans et a édité plus de soixante-dix livres, y compris d’autres livres sur des disques. J’ai beaucoup appris de son professionnalisme, de son amitié et de son engagement passionné envers ce livre. Il m’a guidé à travers les différentes étapes: de la production d’un tome en passant par la structure à la sélection à ce qui était le mieux à souligner dans les textes. En termes de structure pour Art Record Covers, nous avons suivi le modèle des précédents livres de TASCHEN tels que Jazz Covers et Rock Covers, mais dans ces cas, la musique est venue en premier et a dicté une certaine approche, alors que, dans ce cas, il s’agissait plus de réunir deux sujets et leur public relatif: l’art et la musique.
Avez-vous une préférence graphique pour une période en particulier ?
L’un de mes moments privilégiés où l’art et la musique se sont heurtés et qui a donné lieu à des collaborations à long terme, c’est dans les années 1990 quand les images visionnaires produites par une nouvelle génération d’artistes incluaient Doug Aitken, Matthew Barney, Chris Cunningham et Inez Van Lamsweerde et Vinoodh Matadin. Ils ont pris la forme d’oeuvres vidéo et de projets de communication visuelle qui ont migré du monde de l’art vers des couvertures d’enregistrements et des vidéoclips vers les pages glacées des magazines de mode et de mode de vie. Alignés avec les théories post-humaines contemporaines, ces artistes ont exploré les effets dystopiques des médias, de la science et des technologies numériques sur le corps humain et la nature, mais il se sont tellement inspirés par la culture pop qu’ils ont accepté des commissions musicales et des collaborations pour libérer leur travail des contraintes du monde de l’art et de développer de nouveaux publics. Paradigmatique du moment de collision sont des icônes de musique comme Aphex Twin et Björk qui se présentent comme des créatures en phase constante de mutation.
Y-a-t-il une pochette en particulier que vous appréciez dans votre anthologie ? Et pourquoi ?
L’artiste que je considère comme le plus représentatif pour comprendre ce phénomène est Raymond Pettibon. Son travail consiste principalement à des dessins à l’encre sur papier. Il a commencé à les faire circuler à la fin des années 1970 en Californie du Sud sous la forme de zines. Certains de ces dessins ont ensuite été utilisés pour des flyers de concert et des pochettes de disques de groupes de punk rock tels que le Black Flag et le Minutemen, publié par SST, un label appartenant à son frère.
L’art de Pettibon est une critique directe de la culture américaine et comprend des icônes culturelles pop comme des héros de bandes dessinées et des sujets sociopolitiques comme Charles Manson, des policiers, des politiciens et des soldats, des jeunes en difficulté et des drogues. Cette imagerie a constitué une source d’inspiration pour les groupes de punk rock qui leur fournissent un contenu politique et une contrepartie visuelle. Pour Nervous Breakdown, la première version du drapeau noir, Pettibon a utilisé un dessin qui représente une élève belligérant coincé par un enseignant en train de saisir une chaise: une métaphore visuelle du punk lui-même et son impétueux besoin de rébellion sociale. Le même sentiment émerge pour la plupart des paroles de punk rock, la façon dont les groupes de punk rock se présentent et se produisent, et l’attitude de nombreux enfants punk avec laquelle ils se dressent contre les adultes et la société en général.
Quel regard portez-vous sur l’évolution de l’industrie musicale ? Est-ce que ce rapport, de nos jours, entre musique et graphisme est-il toujours aussi prégnant ?
Les médias par lesquels la musique a été distribuée au cours des décennies ont conduit à diverses formes de convergence avec le monde de l’image. Quand j’ai commencé à écouter de la musique, par exemple, dans les années 90, le support principal était le CD et malgré des couvertures phénoménales qui ont été créées dans ces années, le fait qu’elles ont été conçus pour un support plus petit que le disque vinyle est évident. En fait, dans la plupart des cas, des images moins détaillées, pour être reconnaissables à des distances plus grandes. Avec les miniatures en ligne, la situation est devenue encore plus extrême. Parmi les couvertures les plus significatives pour la compréhension de ce passage figurent, par exemple, celles de la bande anglaise XX, qui sont basées sur une langue primaire universellement reconnaissable faite du symbole X dans diverses combinaisons de couleurs. Mais le retour du vinyle a apporté une nouvelle vie et de nouvelles collaborations. Les 30,5 x 30,5 cm. De la couverture d’un vinyle permettent aux graphistes, aux illustrateurs, aux photographes, et donc aussi aux artistes visuels, de créer des images qui demandent plus de temps aux auditeurs de l’album, qui les invitent à se laisser aller à une véritable expérience synestésique. En ce sens, je crois que le retour du disque de vinyle – autant que celui du livre, du magazine et du fanzine – est un symptôme du fait que les humains vient dans leur quotidien de plus en plus dématérialisé et aliénant, comme une sorte de contact physique avec la réalité matérielle. Je pense donc, non seulement ,que la couverture discographique aura encore une longue vie, mais aussi que ce soutien sera de plus en plus le vecteur d’une forme d’expression artistique à part entière.
Pour finir, si vous deviez définir votre livre en deux mots, quels seraient-ils ?
Transversal & Iconoclaste.
• Art Record Covers
de Francesco Spampinato & Ed.Julius Wiedemann
Editions Taschen
www.taschen.com
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