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Vestard Shimkus : « Tout semble destiné à être jeté rapidement. Parfois, j’ai le sentiment d’être le seul artiste à ne pas vraiment aimer ça »

Il est l’un des pianistes les plus connus sur la scène internationale, où il a obtenu des nombreuses récompenses. Le 10 avril il se produira à Paris dans les «Nuits Oxygène ». Putsch a rencontré ce génie letton.

propos recueillis par

En 2019, vous participerez à nouveau aux « Nuits Oxygène ». Qu’est-ce que cet événement signifie pour vous?
J’ai joué à la première édition des  » Nuits Oxygène » en 2014 puis en 2016. Cette nouvelle édition 2019 sera donc ma troisième participation. Cela a commencé comme un festival et, au fil des années, cette initiative est devenue l’une saison des concerts à Paris. Je collabore avec l’organisateur de cet événement, Pierre-Yves Lascar, depuis 2014, lorsqu’il a produit mon album, composé d’œuvres pour piano solo de Sergei Rachmaninoff. Au cours des dernières années, il a organisé pour moi d’autres projets d’enregistrement et de concerts. Grâce à cela, j’ai ressenti une compréhension mutuelle sur la manière avec laquelle la musique devrait être créée, enregistrée en studio et interprétée sur une scène. Par conséquent, « Nuits Oxygène » est le genre d’événement dans lequel je suis sûr de pouvoir jouer ce que j’aime et comme je l’aime. Chaque artiste sait qu’il n’y a rien de mieux que ça.

Pourriez-vous nous en dire plus sur le programme de votre concert? Il inclura de la musique de Bach, Debussy, Gershwin, Scriabine. Pourquoi le choix de ces compositeurs?
La première partie de mon programme sera composée de préludes composés par Frédéric Chopin, Alexander Scriabin, Claude Debussy et George Gershwin. Chopin était le compositeur préféré de Scriabine quand il était jeune – il mettait la partition de Chopin sous son oreiller pour ne pas avoir à quitter cette musique même la nuit ! Scriabine, mon compositeur et pianiste préféré, a découvert la musique de Debussy plus tard dans sa vie et a adoré l’impressionnisme surnaturel qui l’a amené à inventer une technique de composition atonale totalement nouvelle qui, dans les années 1910, constituait la première marque d’un tel système de composition dans l’histoire de la musique. La sympathie de Gershwin pour la musique de Debussy et l’impressionnisme français a toujours été évidente. Cependant, l’un de ses préludes (intitulé «Melody No.17») montre aussi clairement l’influence directe des œuvres récentes de Scriabine. Du milieu du XIXe siècle aux années 1920, cette musique présente le romantisme de Chopin, le début du modernisme de Scriabine, l’impressionnisme de Debussy et le concert-jazz de Gershwin. Et pourtant, tous ces compositeurs sont si étroitement liés ! De nos jours, il est assez à la mode pour les musiciens classiques de se spécialiser dans des styles particuliers de compositeurs particuliers, mais j’ai une tendance opposée à rechercher des origines et des connexions communes (et non des séparations!) de styles et d’époques différents.

 

« Chopin était le compositeur préféré de Scriabine quand il était jeune – il mettait la partition de Chopin sous son oreiller pour ne pas avoir à quitter cette musique même la nuit ! »

 

La deuxième partie sera composée de préludes et de fugues de Johann Sebastian Bach, Dmitri Chostakovitch et du mien. Le couplage d’un prélude et d’une fugue a intéressé les compositeurs pendant plusieurs siècles en tant que contraste possible entre une musique plus librement improvisée dans un prélude et une structure polyphonique stricte dans une fugue. Ou entre le subjectif et l’absolu. Au cours de la période baroque du XVIIIe siècle, Bach a écrit deux cycles de 24 préludes et fugues pour instrument à clavier (à l’époque, le piano en tant qu’invention était encore en cours d’amélioration) dans toutes les tonalités existantes. Chostakovitch, vivant à une époque et dans un environnement complètement différents – l’URSS au milieu du XXe siècle – tentant de rester en vie et sain d’esprit sous l’ombre de la sanglante tyrannie de Staline, a probablement pratiqué une forme d’évasion artistique en créant de la musique de manière plus abstraite. formes de préludes et de fugues néo-baroques, écrivant ainsi un cycle de 24 préludes et fugues qui est, personnellement, mon travail préféré.

 

« Je crois que l’esprit de notre temps se retrouve véritablement dans la culture plus académique ou de masse, y compris le type de musique que l’on entend dans les magasins ou les cinémas »

 

L’avenir dira ce qui caractérise notre époque par rapport aux périodes susmentionnées de l’histoire. Mon «vent du nord. le gothique “Prelude and Fugue”, étant techniquement le travail de piano le plus difficile que j’ai jamais composé, fait référence au passé avec ses mélodies inspirées du chant grégorien, sa structure inspirée du baroque et sa narration et sa texture inspirées de Shostakovich. Cependant, mon objectif est clairement d’écrire une musique qui exprime le son d’aujourd’hui – mon époque et ma maison, qui est, en passant, le littoral venteux de la partie nord-ouest de la Lettonie. Au contraire, je crois que l’esprit de notre temps se retrouve véritablement dans la culture plus académique ou de masse, y compris le type de musique que l’on entend dans les magasins ou les cinémas. Que cela nous plaise ou non, cela influence directement notre perception de ce monde et de cette époque. Ce qui me fascine et m’inspire en tant que compositeur réside dans sa différence et son lien avec la musique des siècles passés. Et n’est-ce pas aujourd’hui une continuation du passé?

 

« Ce que vous entendez dans mes enregistrements, c’est la façon dont je joue sans l’ordinateur »

 

Parlez-nous de votre dernier album. Quel est son message?
Mon dernier album composé d’œuvres pour piano solo d’Alexander Scriabin est sorti le 5 avril, produit à nouveau par Pierre-Yves Lascar et publié sur le label français Artalinna. Je l’ai enregistré en août 2017 à l’église Saint-Jean-l’Évangéliste d’Oxford en moins de deux jours. Une période d’enregistrement aussi courte est en fait tout à fait normale pour moi car je préfère préserver le sentiment de «live» de mon jeu. Je n’enregistre donc pas beaucoup de prises et j’essaie également d’éviter autant que possible tout montage ou toute découpe. Ce que vous entendez dans mes enregistrements, c’est la façon dont je joue sans l’aide d’un ordinateur, alors que tant de musiciens en utilisent beaucoup ces temps-ci. C’est un travail entièrement dédié aux œuvres pour piano d’un compositeur et pianiste qui a été la source d’inspiration la plus puissante depuis le moment où j’ai entendu un vieux vynil (j’étais un pianiste en herbe de onze ans). Il contenait son premier enregistrements de 1910, dans lequel il jouant sa musique enflammée et extraordinairement poétique avec sa touche pianistique électrisante et son phrasé semblable à une brise. Même alors, j’avais déjà instinctivement décidé que l’enregistrement d’un album de sa musique devait être l’un des objectifs principaux de ma vie ! Comme je disais, Scriabine a inventé un langage et un style de musique complètement nouveaux, mais en réalité, ce n’était jamais son objectif. Inspiré par la théosophie, il voulait seulement créer le genre de musique qui transformerait toute l’humanité en esprit astral !

 

 

La moitié de cet album sera composée de musique pré-moderne de Scriabine inspirée par le romantisme inspiré par Chopin et Wagner. Mais l’autre moitié – de ce qu’est devenu ce romantisme tardif lorsque le compositeur a découvert de nouvelles galaxies de paysages sonores. Il est également important de noter qu’Alexander Scriabin n’est généralement pas considéré comme un « vrai » moderniste au sens où l’entend l’Europe occidentale, car il n’a jamais tenté de laisser de côté, de déconstruire ou de démolir les traits existants de la musique du classicisme et du romantisme – les formes traditionnelles, structures d’harmonies, de mélodie et d’émotivité. Mais il compléta le tout avec un langage et une texture harmoniques absolument originaux, créant une musique qui ne ressemble pourtant pas à ce qui existait avant ou après. C’est un art des sons où, grâce à une synthèse du passé et du futur, est né quelque chose de vraiment nouveau et unique. Et c’est précisément le genre d’art que je considère le plus précieux.

« Notre époque fragmentée, souvent artificielle et déconstruite, qui se manifeste à travers ce que l’on appelle parfois à tort la culture «libérale», s’est révélée incapable de créer quelque chose de durable »

Vous êtes une “star” internationale en tant que pianiste et compositeur classique. Quel est le regard que vous portez sur la musique classique en France et en Europe?
Eh bien, je pense que c’est un peu audacieux de votre part de m’appeler une “star” internationale. De même, il appartient aux auditeurs et aux critiques de dire ce que je suis au domaine de la musique classique en France et en Europe. En tant qu’artiste, je ne suis probablement pas assez préoccupé par la façon de me définir comme un «produit» pour des «consommateurs» potentiels. Je suis très heureux pour tous les auditeurs qui ont trouvé ma performance touchante et mémorable, voulant ainsi m’entendre davantage. Si cela s’est produit, c’est probablement dû à ce que je cherche constamment: jouer la musique que j’aime tant comme je voudrais l’entendre moi-même.

 

« Tout semble destiné à être jeté rapidement. Et parfois, j’ai le sentiment d’être le seul artiste à ne pas vraiment aimer ça. C’est peut-être là le véritable intérêt de mon travail d’artiste dans l’Europe d’aujourd’hui »

 

J’ai le sentiment qu’au cours de notre ère de post-modernisme dessiné de longue date, une sincérité et une vérité authentiques manquent souvent. Au point de perdre de la musique (à la fois la nouvelle musique contemporaine et les interprétations de la musique classique) que je reçois inévitablement désir de compenser autant que je peux en créant des expériences (performances ou compositions) qui, du moins théoriquement, pourraient générer un impact qui pourrait durer plus longtemps que juste ce moment. Notre époque fragmentée, souvent artificielle et déconstruite, qui se manifeste à travers ce que l’on appelle parfois à tort la culture «libérale», s’est révélée incapable de créer quelque chose de durable. De nouvelles œuvres (certaines très bonnes! ) , de musique académique interprétées une seule fois à de nouvelles chansons, sur des stations de radio de musique pop qui sont rapidement oubliées une fois que les nouvelles sont entrées; des mariages éphémères aux smartphones qui ne fonctionnent plus après quelques années – tout semble destiné à être jeté rapidement. Et parfois, j’ai le sentiment d’être le seul artiste à ne pas vraiment aimer ça. C’est peut-être là le véritable intérêt de mon travail d’artiste dans l’Europe d’aujourd’hui – ce rôle d’une petite goutte de contre-culture dans l’océan de ce que je considère comme une post-culture.

« Aujourd’hui, chez les 2 millions de lettons on compte un pourcentage plus élevé de grands noms de la musique classique internationale, que tout autre pays du monde »

Vous étiez assez jeune quand vous avez commencé à étudier la musique. Pensez-vous que, de nos jours, les systèmes éducatifs nationaux en font assez pour que les enfants se passionnent à leur tour pour la musique?
Ce n’était pas un système éducatif qui me donnait envie d’étudier la musique : c’est grâce à mes parents si je m’y suis intéressé. J’ai commencé à jouer du piano à l’âge de cinq ans et, dans mon pays, c’était et cela reste un âge très normal pour que les enfants se familiarisent avec cet instrument car, en Lettonie, nous disposons encore d’un réseau assez large d’écoles de musique spécialisées. Ce réseau a été créé au cours des terribles décennies de l’occupation soviétique et il s’est avéré être la véritable raison pour laquelle, aujourd’hui, chez les 2 millions de Lettons, on compte un pourcentage plus élevé de grands noms de la musique classique internationale, que tout autre pays du monde. Ce système éducatif me procurait un incroyable sens des responsabilités lorsque je jouais du piano – une responsabilité à l’égard de mes professeurs durs, de mes parents honnêtes, des compositeurs dont je joue la musique et de mon petit pays qui attend toujours le meilleur de ses fils et de ses filles, à chaque fois qu’ils vont se produire à l’étranger. Bien que je me rende compte que toutes ces raisons de se sentir responsables ne réconfortent pas les nerfs, le sens même de la responsabilité qui imprègne tous les aspects de sa vie est précisément ce qui pourrait sauver ce monde non seulement du réchauffement climatique mais aussi de l’extinction totale, de l’oeuvre indéniablement précieuse qui s’appelle la culture occidentale. Malheureusement, le système éducatif letton connaît actuellement des changements. En raison du manque d’emplois suffisants, de plus en plus de personnes quittent notre pays. Cela signifie que de moins en moins d’enfants naissent en Lettonie et que de plus en plus d’écoles doivent être fermées. Cependant, les écoles restantes sont également en train de vivre une sorte de «libéralisation» mal comprise, dans laquelle le sens des responsabilités antérieur est remplacé par une capacité d’adaptation à des situations en constante évolution. Si cette capacité devient quelque chose qui définit la personnalité de l’enfant, notre société va connaître un essor sans précédent de l’opportunisme et du relativisme moral à l’avenir.

Si vous pouviez envoyer un message à un enfant qui veut apprendre à jouer du piano ou d’un autre instrument, que lui diriez-vous ?
N’aimez pas seulement la musique. Vous devez aimer aussi la pratique de votre instrument. Ne comptez pas les heures consacrées à la pratique. Considérez l’instrument comme une raison de développer trois choses: la pensée abstraite, la capacité de se concentrer sur quelque chose et la nécessité de bien faire les choses tous les jours. Parce que plus tard, quand vous serez adultes, que vous deveniez ou non musicien professionnel, vous vous rendrez compte que ces trois choses sont les seules qui vous permettront d’être ennuyés par votre propre vie.

Après le concert à Paris, partirez-vous en tournée ?
Après ce concert, je me rendrai à Cesis, en Lettonie, pour présenter le 20 avril un récital de la musique pour piano du grand compositeur contemporain letton, Peteris Vasks. Sa renommée est internationale. Il a été mon professeur de composition et reste un bon ami à moi. Le 11 mai, je donnerai également un concert de jazz à Vilnius, en Lituanie, avec la chanteuse de jazz lituanienne Indre Dirgelaite. Puis, le 31 mai, je serai à Tenerife pour donner un grand concert avec l’orchestre symphonique de Tenerife dans le merveilleux auditorium de Santa Cruz.

En plus de la tournée, êtes-vous en train de travailler sur d’autres projets ?
Comme d’habitude, la saison estivale sera remplie de concerts dans plusieurs festivals d’été de musique classique, dont un récital Scriabin au festival de Riga le 15 juin et une performance solo de Rhapsody in Blue de George Gershwin et mes propres œuvres pour piano. Le 1er août, je participerai à l’un des plus grands festivals européens : le festival de piano à Biarritz. Je serai particulièrement honoré de jouer dans ce festival avec des pianistes de renommée internationale tels que Arcadi Volodos, Khatia Buniatishvili, George Li, Tristan Pfaff et bien d’autres.

 


Festival « Les Nuits Oxygène »

Temple Saint Marcel
24, rue Pierre Nicole – 75005 Paris

Agenda des concerts

10 avril 2019 – Vestard Shimkus
15 mai 2019 – Karen Vourc’h & Anne Le Bozec
29 mai 2019 – Anastasia Vorotnaya
5 juin 2019 – Severin von Eckardstein
26 juin 2019 – Dang Thai Son
Les programmes de chaque concert et les liens de réservation sont précisés plus bas. Tous les concerts ont lieu à 20h.

Site internet : http://www.artalinna.com


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(Crédit photo à la une © Kristine Krauze-Slucka)

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