Directeur délégué au Théâtre de l’Atelier pour une saison, il sera élu également au conseil d’Administration de la SACD et depuis 2002, il fait partie du comité de lecture du Théâtre du Rond-Point. Nominé dix fois aux « Molières », il a reçu de surcroît de nombreux prix prestigieux qui consacrent son travail de dramaturge et de traducteur de pièces dramatiques. Auteur de plus d’une quarantaine d’oeuvres, il a signé aussi le scénario original du film La propriétaire avec Jeanne Moreau et développé plusieurs scénarios à partir de ses pièces dont Grande école, réalisé par Robert Salis ou encore La fille du RER avec André Téchiné. Depuis janvier 2010, il est directeur du Théâtre des 13 vents, le CDN Languedoc-Roussillon de Montpellier. Il a traduit cette année une comédie d’Oscar Wilde basée sur un quiproquo amoureux pour une mise en scène de son ami et directeur adjoint du Théâtre des 13 vents, Gilbert Désveaux. Qu’apprend-t-on au contact quotidien de l’écrivain irlandais Oscar Fingal O’Flahertie Wills Wilde , cet auteur dandy à qui la plupart des critiques de son époque reconnaissaient « de l’intelligence, de l’art et du style»? Rencontre avec Jean-Marie Besset qui s’est prêté au jeu de l’interview avec élégance et sagacité.
Après avoir suivi une formation d’art dramatique auprès de Véra Gregh et Claude Aufaure, Gilbert Desveaux fonde sa compagnie de théâtre consacrée à la présentation de textes inédits. En 2000, en association avec Jean-Marie Besset, ils fondent un festival de théâtre annuel, NAVA, dans la région de Limoux. En 2010, il devient directeur adjoint et metteur en scène associé au Théâtre des 13 vents. En tant que producteur ou metteur en scène , il a participé à de nombreuses aventures théâtrales et a signé 13 mises en scène de pièces de Jean-Marie Besset dont, pour ne citer que les dernières en date, Perthus, RER, Tokyo Bar et Rue de Babylone. Il s’attaque cette saison au sulfureux et spirituel Oscar Wilde avec son professeur des premières heures en Lady Bracknell. Avec spontanéité, enthousiasme et perspicacité, il nous explique les raisons de ce projet Wilde et nous quitte – Urgence du plateau oblige! – quelques minutes avant la fin de l’interview car les répétitions n’attendent pas!
Comment vous êtes-vous rencontrés et avez-vous été amené à travailler ensemble?
Gilbert Désveaux :
Très simplement. En 1989, nous avions un ami commun qui était un fou de théâtre et d’opéra et il allait tout voir. J’étais moi aussi très avide de découvrir et grâce à lui, j’ai découvert toute la période Chéreau à Nanterre, Arias à Aubervilliers etc…. Un jour, il m’a dit qu’il avait un ami qui avait écrit une pièce sur la rencontre de De Gaulle et Pétain. J’avais lu un article à ce sujet dans le Monde puisque la famille De Gaulle faisait alors un procès à Jean-Marie: je suis donc allé voir Villa Luco, la première pièce de Jean-Marie montée par Jacques Lassalle, reprise au Paris-Villette; Jean-Marie jouait le rôle du jeune lieutenant et il était question d’une rencontre fictive entre De Gaulle et Pétain en 45/46 après la guerre..A l’époque, j’avais l’impression – pas tout à fait fondée mais quand même- que le théâtre public était le lieu du metteur en scène, l’époque de Chéreau, Planchon, Lavaudant, Vitez, Lassalle, Strehler, Koltès , et que tous ces grands metteurs en scène qui ont révolutionné le théâtre dans les années 60/70, à part quelques uns, visitaient et revisitaient seulement le répertoire classique…
J
ean-marie Besset:
A part Vitez…car une des réussites de Vitez est d’avoir fait connaître des auteurs nouveaux comme René Kalisky. C’est là-dessus que s’était fracassé selon moi Jean Vilar alors que Vitez a réussi à faire venir des noms nouveaux sur la scène française.Gilbert Désveaux: D: De l’autre côté, je voyais un théâtre privé où, certes, il y avait beaucoup de pièces inédites, surtout anglo-saxonnes, des pièces de divertissement avec souvent des vedettes et un répertoire au mieux léger, au pire franchement débile. Or, ce soir-là, avec la pièce de Jean-Marie, j’ai vu un théâtre qui était celui que j’avais envie de voir. On s’est très bien entendu tout de suite avec Jean-Marie ; 3,4 ans plus tard, j’ai fondé ma compagnie avec laquelle j’ai monté Pour un oui pour un non de Sarraute, puis Jean-Marie a écrit Grande Ecole et c’est donc en 94 / 95 qu’on a commencé cette première aventure théâtrale ensemble. Et on n’a plus jamais arrêté.
Quelle a été la genèse de L’importance d’être sérieux?
Jean-Marie Besset: Ça fait des années que les pièces de Wilde font partie de mes préférées dans la littérature dramatique et que je voulais adapter une de ses comédies. Il y a quelques années, Michel Fagadau – qui dirigeait la Comédie des Champs Elysées – m’avait proposé de traduire la quatrième comédie de Wilde, Une femme sans importance; une pièce qui commence comme une comédie et qui finit en mélodrame un peu pesant, peut-être une de ses pièces les moins abouties et, bon, le projet ne s’est pas fait mais – en mémoire de ce travail- j’ai ajouté une réplique de cette pièce dans L’importance d’être sérieux! Je suis traducteur, passeur de textes anglo-saxons ou américains en France et, pour la quasi totalité des oeuvres que j’ai traduites, j’étais le premier passeur. La première exception à cette règle a été la pièce de Tennessee Williams, un tramway nommé désir. J’ai accepté de retraduire cette pièce et d’autres parce que je ne trouvais pas les traductions satisfaisantes. Dans le cas du Tramway nommé désir, c’était une traduction de Cocteau et Paul de Beaumont, très éloignée de Tennessee Williams et qui n’en restituait pas du tout la musique. C’était plus une pièce de Cocteau en fait. Pour adapter un auteur, je trouve qu’il faut être soi-même un auteur et souvent les auteurs ne parlent pas suffisamment bien anglais
pour traduire….du coup, ce sont souvent des universitaires qui traduisent.
Qu’est-ce qui vous séduit particulièrement dans le personnage d’Oscar Wilde?
Gilbert Désveaux: En me repenchant sur le volume Pléiade, son roman, ses contes , ses écrits philosophiques, je trouve que Wilde a une pensée plus complexe et brillante qu’il n’y paraît. Il a une vraie vision du monde; il vit en pleine époque victorienne, ultra puritaine et il se crée un autre système de valeurs. Il revient à la métaphysique grecque et ce que j’adore chez lui, c’est que tout passe par le contact de l’art . Pour s’extraire et rendre possible la vie sur terre, il faut fréquenter les oeuvres d’art; en étant artiste et en créant soi-même mais aussi en étant spectateur; C’est un esthète, on le caricature en disant « dandy » mais ses théories esthétiques sont une vision du monde par l’art.
Jean-Marie Besset:
Oui, c’est un artiste qui fait la synthèse de l’antiquité, du préraphaélisme, du retour à un art d’avant la révolution industrielle mais aussi il y a le retour au catholicisme et en ce sens, il réalise à la fin du XIXème siècle ce qu’ont fait , à Venise, les peintres de la contre-réforme puisque c’est un retour du catholicisme qui magnifie le corps , qui unit le corps de l’antiquité gréco-romaine avec le catholicisme…je pense par exemple à Véronèse.
Cette conversion au catholicisme était une sorte de repentance?
Jean-Marie Besset: Non, d’autres ont fait de même à l’époque. Il a écrit beaucoup sur sa conversion au catholicisme et ça lui a servi…. Wilde est une figure tragique. C’est un des hommes les plus brillants et amusants du siècle et à que ,tout d’un coup, l’on a fait payer d’avoir approché trop près le soleil. Son char tombe en quelque sorte et il se retrouve au fin fond du trou puisqu’il est condamné à deux ans de travaux forcés pour homosexualité. Il est tourné dans une roue à aube , deux heures le matin , deux heures le soir et un jour, il est tombé et s’est blessé à l’oreille et c’est de cette blessure -dont il n’a jamais été bien soigné -qu’il est mort deux ans après sa libération. Un supplice et une trajectoire à la Théophile de Viau en France. Une dimension pop star, comme Sarah Bernhard ou David Bowie mais une fin tragique.
Quand vous avez traduit, vous êtes-vous imposé des règles, une ligne directrice?
Jean-marie Besset:Ce qui est difficile pour traduire, c’est que la logique de la langue anglaise, dans l’épigramme, est très différente de la langue française. Pour être technique, le génie de la langue anglaise, c’est l’adjectif, sa multiplication, épithète ou attribut, et la multiplication de l’adverbe alors que ce qui dynamise une phrase en français, ce n’est pas du tout l’adjectif , c’est le choix du verbe. Pour établir le même humour en français, il faut complètement tout changer. Pour dire exactement la même chose avec le même esprit, il faut faire exploser la phrase.
Pourquoi avoir choisi de traduire le titre L’importance d’être sérieux alors qu’on le trouve aussi sous la forme L’importance d’être constant?
Jean-marie Besset: Je suis revenu au titre original qui est The importance of being earnest : il y a un jeu de mots comique sur le prénom puisque les jeunes filles veulent épouser un garçon se nommant Ernest. La traduction italienne, c’est L’importanza di chiamarsi Ernesto, c’est comme si j’avais traduit: L’importance de s’appeler Ernest. L’histoire du jeu de mots, je trouve, est absurde or en français, ils ont voulu trouver un prénom qui évoque aussi une qualité. C’est absurde parce que constant ne veut pas dire sérieux : on peut être constant dans le vice et dans le crime ! Ces jeunes filles veulent épouser un garçon sérieux qui ne mène pas une vie de patachon. C’est d’ailleurs une obsession des mères des jeunes filles : « est-ce que c’est un garçon sérieux? ». La pièce a été traduite pour la première fois en 43, c’est à dire cinquante ans après sa création en Angleterre sous le titre De l’importance d’être constant et Anouilh l’a ensuite notamment traduit: Il est important d’être aimé et moi, j’avais comme idée ce titre-là: Ernest n’est pas sérieux ( ce qui a son importance) mais le théâtre de Boulogne qui nous accueille n’en a pas voulu.
Monter cette pièce, c’était en premier lieu le plaisir de parler d’amour?
Gilbert Désveaux :Exactement. Le plaisir d’explorer aussi l’écriture de Wilde bien sûr. La pièce est comme une comédie de Marivaux, ce qui est le plus important, c’est l’amour. Wilde, exactement à la même époque que Sigmund Freud – ils sont contemporains dans deux sociétés très puritaines – ont la même intuition: c’est le sexe qui guide les êtres humains. On croise dans cette pièce deux jeunes hommes très libres et guidés par leur sens qui vont bousculer deux jeunes femmes ; et la figure tutélaire de Lady Bracknell qui incarne une espèce d’ordre victorien, verrouillé, cadenassé.
Jean-marie Besset: Lady Bracknell est quand même assez arbitraire , un peu comme la Reine de coeur dans Alice au pays des merveilles. Elle est complètement despotique et a ses règles à elle.
Vous avez pu dire que cette pièce repose aussi sur l’idée platonicienne de la recherche de son double…
Gilbert Désveaux:La pièce est construite sur l’idée du double: elle est en deux parties, l’une en ville, l’autre à la campagne. S’opposent là une Londres sophistiquée et cultivée et la campagne sauvage et sensible. Il y a les deux garçons, les deux filles, les deux couples garçon-fille et chaque garçon en plus s’invente un double. Tout se diffracte ainsi. Il y a aussi ,davantage en filigrane que dans Le portrait de Dorian Gray, l’idée d’une identité double : même si Oscar Wilde ne revendiquait pas une bisexualité ou une homosexualité, il avait une femme, des enfants et…des amants. Il avait une pensée contre son époque, très libre, de se laisser guider par ses envies ; il avait donc cette double vie, cette idée platonicienne de chercher sa moitié pour devenir l’être complet quand on la trouve.
Claude Aufaure joue à la fois une femme et un homme: il participe à cette dualité aussi…
Gilbert Désveaux: Oui, c’est grâce à l’adaptation de Jean-Marie parce que ce n’est pas écrit ainsi au départ. Des soucis d’efficacité et de production au départ.
Pourquoi le choix d’un homme pour interpréter Lady Bracknell?
Jean-marie Besset: C’est une vieille tradition du théâtre, ça remonte évidemment d’abord à l’antiquité où tous les rôles de femmes étaient joués par des hommes. Ensuite, les matrones étaient souvent incarnées par des hommes et Lady Bracknell est d’ailleurs décrite comme une « Gorgone ».Gilbert Désveaux: C’est une femme qui s’est mariée pour accéder à une position sociale , un titre et elle se bat pour que sa fille ait la même chose. Lord Bracknell, que l’on ne voit jamais dans le pièce, a l’air d’être une poule mouillée qui ne sort pas de chez lui. Lady Bravcknell est une femme chef, très masculine et ,de part le rôle qu’elle a à tenir, elle abdique une certaine féminité.
Jean-marie Besset:
Il y a aussi la question de la comédie anglaise où les jeunes gens sont aimables et les vieux sont grotesques. Tradition qui date de Molière sauf que chez Wilde, les jeunes gens sont moins fades que dans les pièces de Molière. Ils existent à part entière, comme dans les comédies de Corneille d’ailleurs. L’idée d’un homme pour interpréter Lady Bracknell est venue aussi du fait que j’avais adapté une pièce matrice de celle-là, qui datait de 1841, Le bel air de Londres, qui s’est joué durant tout le XIXème siècle anglais et dans laquelle le rôle grotesque est celui d’un homme; c’est Robert Hirsch qui jouait le rôle alors. Lady Bracknel est sa descendante directe en quelque sorte…De plus, Claude Aufaure joue également le révérend qui est aussi effacé que Lady Bracknell est castratrice.
C’est une pièce à la forme très traditionnelle…quelle touche personnelle y apporte Wilde selon vous?
Gilbert Déseveaux:
Wilde avait besoin des droits d’auteur pour vivre et il écrivait sur commande. Il avait un cahier des charges; ce n’est pas Georg Büchner écrivant la mort de Danton: il est dans le souci de faire un succès. Il était , en outre, passionné par la chose théâtrale et avait décortiqué les pièces de ses prédécesseurs : Shakespeare, celles de la restauration anglaise….et j’ai aussi vu, en le côtoyant, à quel point Wilde était connecté à la production littéraire française que ce soit Hugo, Dumas Fils…. sur la question de la structure. D’ailleurs, à la fin de la pièce, on retrouve un peu les ficelles d’happy end de Molière. Sa patte? On pourrait dire que , contrairement à Feydeau, qui est dans une sorte de haine de ses personnages bourgeois, mariés et empêtrés dans les coucheries, Wilde se projette dans ses personnages et les aime. Il met de son esprit.
Quand on côtoie Wilde, qu’apprend-ton?
Jean-marie Besset:
C’est un peu comme quand on rentre dans une pâtisserie, c’est euphorisant. C’est comme lorsque Mary Poppins saute dans le dessin , on se dit qu’on aimerait vivre dans ce monde….et comme c’est un peu pour ça qu’on fait du théâtre en général car c’est le seul moyen qu’on a trouvé pour échapper au temps qui passe. En effet, l’espace de la représentation est entre parenthèses ; la répétition et la représentation sont des façons de défier la mort puisque chaque soir, quand Hamlet entre en scène, il ne sait pas qui a tué le roi et il a toujours trente ans et, si les interprètes vieillissent, les personnages, eux, restent éternels. Dans les comédies de Wilde, c’est un univers où il fait beau et où tout le monde a de l’esprit. Certes il y a des intrigues mais ce serait idéal de vivre comme ça tout le temps. Le message de Wilde, c’est peut-être une foi dans l’ici et le maintenant de la vie. C’est très épicurien. C’est le contraire des gens qui croient au progrès en pensant que demain serait mieux qu’aujourd’hui. Vous savez, on dit souvent que les gens qui se suicident croyaient aux lendemains qui chantent et qu’ils ont été déçus. Les personnages de Wilde disent: non, n’attendons pas demain! il faut que chaque moment soit exceptionnel. C’est une leçon de vie pour tous les moments: même quand il fait gris, qu’on n’a pas le moral, il faut s’habiller, se pomponner et y aller !
Wilde lui-même présentait cette pièce comme « Une pièce légère comme l’air écrite par un papillon pour des papillons »…pour la monter, êtes-vous tous sortis de votre chrysalide?
Jean-marie Besset :
L’écueil des acteurs français qui font des comédies, c’est qu’ils jouent comique et en général, l’effet est que ce n’est comique que pour eux. La comédie vient souvent du fait qu’il y a une naïveté chez le personnage et qu’il faut prendre les choses très au premier degré . Les personnages ne sont pas des porte-paroles de l’auteur mais des personnages à part entière. Je crois qu’il faut qu’ils prennent les choses au sérieux justement. D’où l’importance d’être sérieux.
Il a été choisi une scénographie qui conserve le côté mondain…l’avez-vous mis en exergue aussi dans la langue?
Jean-marie Besset : Non, j’ai cherché une langue pas trop compassée parce qu’on se fait aussi beaucoup d’idées sur la façon dont parlaient les gens de cette époque. J’ai pris un vocabulaire qu’on trouve chez Gide dans les Faux Monnayeurs. Comme les personnages sont jeunes, ça m’importait aussi qu’ils soient assez insolents par rapport au révérend.
Enfin, si vous deviez citer un aphorisme d’Oscar Wilde que vous feriez bien vôtre?
Jean-marie Besset : Dans la pièce, quelqu’un dit : » C’est la vérité pure simple » et l’autre répond : « La vérité n’est jamais pure et elle est rarement simple. »
Gilbert Désveaux:« Toutes les filles finissent comme leurs mères. C’est la tragédie des femmes. Aucun garçon ne finit comme la sienne. C’est la tragédie des hommes. »
Les Dates de représentation:
– Du 15 au 26 janvier 2013 au Théâtre des 13 vents, CDN de Montpellier
– Du 30 janvier au 5 février 2013 au Théâtre de l’Ouest Parisien ( Boulogne -Billancourt )
– A partir du 16 mars 2013 au Théâtre Montparnasse ( Paris)
– Les 20 et 21 juillet 2013 à Figeac
– Les 29,30 novembre et 1er décembre 2013 à Boulogne-Billancourt
– Le 6 décembre 2013 au Perreux-sur-Marne
– Du 11 au 19 décembre 2013 au Théâtre des 13 Vents à Montpellier
– Le 7 janvier 2014 à Carcassonne
– Le 11 janvier 2014 à Fontainebleau
– le 17 janvier 2014 à Mée-sur-Seine
– Le 23 janvier 2014 à Lunel ( 34)
– Le 6 février 2014 à Saint-Cloud
– Le 8 février 2014 à Herblay
– Le 14 février 2014 à Neuilly-Sur-Seine– Les 20 et 21 juillet 2013 à Figeac
– Les 29,30 novembre et 1er décembre 2013 à Boulogne-Billancourt
– Le 6 décembre 2013 au Perreux-sur-Marne
– Du 11 au 19 décembre 2013 au Théâtre des 13 Vents à Montpellier
– Le 7 janvier 2014 à Carcassonne
– Le 11 janvier 2014 à Fontainebleau
– le 17 janvier 2014 à Mée-sur-Seine
– Le 23 janvier 2014 à Lunel ( 34)
– Le 6 février 2014 à Saint-Cloud
– Le 8 février 2014 à Herblay
– Le 14 février 2014 à Neuilly-Sur-Seine
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– Les 20 et 21 juillet 2013 à Figeac
– Les 29,30 novembre et 1er décembre 2013 à Boulogne-Billancourt
– Le 6 décembre 2013 au Perreux-sur-Marne
– Du 11 au 19 décembre 2013 au Théâtre des 13 Vents à Montpellier
– Le 7 janvier 2014 à Carcassonne
– Le 11 janvier 2014 à Fontainebleau
– le 17 janvier 2014 à Mée-sur-Seine
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– Le 6 février 2014 à Saint-Cloud
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